Art: Konzert

Tyler Ballgame glaubt noch an die Liebe. Die besingt er in der Single „I Believe in Love“ von seinem Debütalbum „For the First Time, Again“, herrlich betörend. Mit charismatischer Leichtigkeit singt der in Los Angeles lebende Künstler von den kleinen und großen Dingen im Leben auf eine Art, die direkt ins Herz trifft. Bereits beim Entstehungsprozess wusste Ballgame, dass die Platte sein Leben verändern würde. Nicht mehr als den größten Song der Welt möge er schreiben, riet ihm sein Produzent. Gesagt, getan. „I Believe in Love“ hat eine hinreißende Wirkung, trifft in seiner sanften Rohheit einen Nerv, der die Seele im überstimulierten Alltag beruhigt.

Mit zwölf Songs bestückt ist das Debütalbum, Anfang des Jahres erschieben, das kleine Meisterwerk eines talentierten Sängers, dessen faszinierende Stimmfarbe eine direkte Wirkung beim Hören erzielt. Bei seiner überbordend erfolgreichen Tour durch UK und Europa und einigen Deutschlandkonzerten im Frühjahr dieses Jahres konnte sich das Publikum bereits von der einnehmenden Bühnenpräsenz des amerikanischen Singer-Songwriters hinreißen lassen. Inspiriert von Sänger*innen der 60er und 70er Jahre wie John Lennon, Roy Orbison oder Leonard Cohen lässt sich Tyler Ballgame in seiner Musik von Americana bis Indie Pop beeinflussen. Bei Rough Trade Records fand er sofort Begeisterung und wurde direkt unter Vertrag genommen.

Als Sohn einer klassisch ausgebildeten Musiklehrerin war die Musik schon immer ein zentraler Punkt im Leben des Tyler Ballgame. Sie war es, die ihn dazu ermutigte, sich in der Musik auszuleben. Während der Pandemie stieß die triste Weltenlage Ballgame in eine depressive Phase, doch er wusste dort bereits, dass die Musik ihn herausziehen würde. Und so wurde die Musik zu einer Erweckung, einem vorbestimmten Weg, denn wie Ballgame sagt, ist er dafür auf der Welt: „Ich glaube, ich bin dafür bestimmt, für Menschen zu singen“. Umgeben von talentierten Musiker*innen fand Ballgame seine Stimme, sein Album handelt von dem Weg aus der Dunkelheit heraus und dem hoffnungsvollen Finden eines Sinns im Leben.

Foto: Holli Cunningham

Einlass: 19:00 Uhr
Beginn: 20:00 Uhr

Sexsmith ist ein aus Ontario stammender kanadischer Songwriter und dreifacher Juno-Award-Preisträger. Seit seinem selbstbetitelten Debütalbum von 1995 hat er eine beeindruckende Reihe an Studioalben und eigenen Songs geschrieben und veröffentlicht. Im August 2025 brachte Ron sein bereits achtzehntes Studioalbum heraus.

In den letzten Jahrzehnten spiele Ron Headline-Shows in einigen der renommiertesten Konzerthäuser der Welt, darunter die Massey Hall, die Carnegie Hall, die Royal Albert Hall in London sowie das London Palladium.

Seine melodische Musik wird als eine Mischung aus kanadischen Folk-Ikonen wie Gordon Lightfoot und Leonard Cohen sowie den Klängen der Kinks, der Beatles und anderer Bands der British Invasion seiner Jugendjahre beschrieben.

Seine Songs wurden bereits von vielen bekannten Künstlern wie Rod Stewart, kd Lang, Emmylou Harris, Michael Buble, Feist, Elvis Costello und Stevie Nicks gecovert.

2017 veröffentlichte Ron seinen ersten Roman „Deer Life, A Fairy Tale“ weltweit im Dundurn Press Limited. Er hat eine noch unveröffentlichte Partitur komponiert, um die Geschichte als Musical auf die Bühne zu bringen oder zu verfilmen.

2025 gibt Ron sein Debüt als Theaterkomponist mit der international renommierten Stratford-Festival-Produktion von „Wie es euch gefällt“ in Stratford, Ontario, Kanada.

Er lebt derzeit mit seiner Frau, seinem Klavier und seiner Schallplattensammlung in Perth County, Ontario, und lässt sich weiterhin zum Komponieren, Aufnehmen und Live-Auftritten weltweit inspirieren.

Matheus Lodewijk (1973), bekannt als LudoWic, ist ein niederländischer Musiker, Komponist und multidisziplinärer Künstler, dessen Arbeit sich zwischen experimenteller Elektronik, vergessenen Instrumenten und räumlichem Klang bewegt. Geboren in Venlo und aufgewachsen in Dongen, wuchs er in einem Umfeld auf, in dem Musik und bildender Ausdruck ganz selbstverständlich nebeneinander existierten. Die Musikalität seines Vaters und die visuelle Sensibilität seiner Mutter prägen bis heute seine Herangehensweise an Klang – nicht nur als etwas, das man hört, sondern als etwas Physisches, Taktiles und tief mit der Erinnerung Verbundenes. Nachdem er sowohl an der Kunsthochschule als auch am Konservatorium angenommen worden war, entschied sich Lodewijk für ein Musikstudium am Codarts-Konservatorium in Rotterdam. Obwohl die bildende Kunst in seinem Schaffen stets präsent blieb, wurde die Musik nach und nach zur zentralen Sprache, durch die er Emotionen, Zeit und Wahrnehmung erforscht. Unter dem Namen LudoWic entwickelte er eine unverwechselbare Klangwelt, die auf in die Jahre gekommenen Synthesizern, Tonbandgeräten, Resonatorlautsprechern und vergessenen elektronischen Instrumenten basiert, deren Instabilität und Unvorhersehbarkeit zu wesentlichen Bestandteilen des kreativen Prozesses wurden. Seine Musik schafft oft ein Gleichgewicht zwischen zerbrechlicher Intimität und überwältigender Körperlichkeit und verbindet nostalgische Klangtexturen mit einem filmischen Gefühl für Raum und Bewegung.

Neben seiner Solokarriere hat Lodewijk Musik für Künstler wie Wende, Sevdaliza und Santan Dave geschrieben und produziert sowie die Musik für das gefeierte Indie-Videospiel „Katana ZERO“ komponiert. Sein Hintergrund in der bildenden Kunst und sein räumliches Denken prägen nach wie vor auf subtile Weise sowohl seine Kompositionen als auch seine Live-Auftritte, bei denen Klang eher als etwas Skulpturales und Physisches denn als rein Musikalisches betrachtet wird. Seine internationale Bekanntheit wuchs mit der Veröffentlichung von SUPER8 MEMORY im Jahr 2024 erheblich, einem Album, das sich um das Trautonium dreht – eines der frühesten elektronischen Instrumente überhaupt, das 1929 entwickelt wurde. Anstatt das Instrument als historisches Artefakt zu behandeln, näherte sich LudoWic ihm als etwas Lebendigem und emotional Unmittelbarem. Das Album machte den Klang des Trautoniums einem neuen internationalen Publikum bekannt und wurde von Künstlern wie Pete Townshend, Ólafur Arnalds, Joep Beving, Patrick Watson und SYML gelobt.

Sein neuestes Werk, „Nunc Stans“, markiert eine weitere Entwicklung dieses Klanguniversums. Das Album entstand während vier Monaten fast völliger Isolation und reflektiert über Vergänglichkeit, Erinnerung und die Erfahrung der Zeit selbst. Neben dem Trautonium bringt LudoWic das Ondes Martenot in seine Arbeit ein – ein weiteres seltenes frühes elektronisches Instrument, dessen Klang sowohl Zerbrechlichkeit als auch Intensität in sich trägt. Obwohl beide Instrumente in der frühen Entwicklungsphase der elektronischen Musik im 20. Jahrhundert entstanden sind, wurden sie in einem zeitgenössischen musikalischen Kontext selten so explizit miteinander kombiniert. Diese physische und emotionale Unmittelbarkeit setzt sich in LudoWics Live-Auftritten fort. Umgeben von einer komplexen Landschaft aus analogen Instrumenten, Kabeln, Resonanzlautsprechern und Bandechos wird jeder Klang in Echtzeit erzeugt und manipuliert. Anstatt den Entstehungsprozess hinter Bildschirmen oder Abstraktion zu verbergen, rücken die Performances den Akt der Klangerzeugung vollständig in den Blickpunkt und ermöglichen es dem Publikum, nicht nur die Musik selbst zu erleben, sondern auch die Gesten, Unvollkommenheiten und Interaktionen, die sie im Moment prägen. LudoWic ist bereits an Veranstaltungsorten und auf Festivals wie dem Concertgebouw, dem Funkhaus Berlin, dem Eye Filmmuseum, der ADE und dem Artonov Festival aufgetreten und wird ab September auf einer internationalen Tournee durch Deutschland, Dänemark, Belgien und die Niederlande zu sehen sein. Sowohl in seinen Aufnahmen als auch in seinen Live-Auftritten erforscht er weiterhin, wie Klang unsere Wahrnehmung von Zeit, Präsenz und emotionalem Gedächtnis beeinflussen kann.

Ersatztermin für den 27.06.2026

Als vielseitige Künstlerin bewegt sich Pitsikaki souverän zwischen Konzertbühne, Forschung und Lehre. Ihre Arbeit ist geprägt von einem tiefen Interesse an kulturellem Dialog und künstlerischer Transformation. In ihren Projekten entstehen lebendige Klangräume, in denen sich unterschiedliche musikalische Systeme – etwa Makam, Jazzharmonik und freie Improvisation – gleichberechtigt begegnen.

Als Ensembleleiterin und künstlerische Leiterin – unter anderem des OMOPO Orchesters – initiiert sie innovative Formate zwischen Konzert, Vermittlung und Forschung. Zudem war sie maßgeblich an transkulturellen Projekten wie dem Bridges Kammerorchester beteiligt.
Mit ihrem Debütalbum AROMA setzte sie ein starkes künstlerisches Statement, das international Beachtung fand und mehrfach ausgezeichnet wurde, darunter mit den Global Music Awards, Nominierungen für die Deutsche Schallplattenkritik Top 3 in Europe Musik Netzwerk und top 10 in Balkan Chats.

Sie studierte Global Music mit Hauptfach Qanun an der Popakademie Mannheim sowie Jazzimprovisation im Master an der Hochschule für Musik und Tanz Köln und setzt ihre künstlerisch-wissenschaftliche Forschung aktuell im Rahmen einer Promotion fort. Parallel dazu ist sie als Dozentin an renommierten Institutionen tätig, darunter die Hochschule für Musik Mainz, die Hochschule für Musik und Tanz Köln sowie verschiedene internationale Bildungs- und Forschungsprojekte im Bereich interkultureller Musikpädagogik.

Apply Autonomy Tour 2026

Wir können schreien wollen und uns umarmen. Wir können zusammenbrechen und eine überwältigende Kraft anzapfen. Wir können schüchtern und unsicher sein und auf der Bühne unseres Lebens stehen. Die Zeit von Entweder-Oder bröckelt, zurecht. My Ugly Clementine ist die Band, die uns nicht emotional auseinander dividiert, sondern in uns zusammenführt.

Die verzerrte Gitarre im Zweifelsfall zu laut aufheulen lassen, mit dem Finger glücklich abrutschen, in einer Grunge Rock Scheiss-drauf-Attitüde, aber nicht von ungefähr. Im Rolling Stone heisst es über die Band aus Wien: „Konsequenter Post-Punk mit Liebe zur Popmelodie.“ Wieviel Fun, Sweetness, Fragilität und Harmonie kann in einer Musik stecken, die so räudig, kratzig und laut ist? My Ugly Clementine beherbergt die Verletzlichkeit und Schlagkraft von Sophie Lindinger, Mira Lu Kovacs und Nastasja Ronck.

Die erste Show im Jahr 2020 war nach 20 Minuten ausverkauft. Seit ihrer Gründung ist viel passiert: Die Verleihung des Impala Album of The Year Award, den viele große Bands und Künstler*innen wie Adele oder Rosalía am Anfang ihrer Karriere erhalten haben. Viele Konzerte auf internationalen Festivals wie dem Eurosonic, einem der wichtigsten Showcase Festivals für up-and-coming Bands. X Nominierungen, ein FM4 und drei Amadeus Austrian Music Awards, ein weiteres Album auf BMG, einem der weltweit größten Labels. Und nun das dritte Album: Apply Autonomy.

Wenn My Ugly Clementine fragen, ob alle okay sind, etwas sehen können, Platz und etwas zu trinken haben, schwindet das Abgehobene. Die Band sucht nach Kontakt und dem Raum für eine andere Nähe. „Wir finden es nicht normal auf einer Bühne vor tausenden Menschen zu stehen.“ My Ugly Clementine kann hoch sensibel bleiben, voll performen und abliefern. Warum das möglich ist? Because they take care.

Foto: Mala Kolumna

Einlass: 19:00 Uhr
Beginn: 20:00 Uhr

Es gibt jene Tage, an denen man mal verzweifelt, mal voller Wut und mal voller Tatendrang auf eine scheinbar brennende Welt schaut. Dies sind aber oft auch jene Tage, an denen man einen nostalgischen Blick in den Rückspiegel wirft und sich erinnert. Und nein, früher war nicht alles besser, aber alles anders. Vergangenheit und Gegenwart verkanten sich in Juse Jus neuem Projekt „In jenen Tagen“.

Nach dem lockeren, von Battlerap und Humor geprägten Top-10-Album „BAWRS“ mit Fatoni und Edgar Wasser im letzten Jahr besinnt sich Juse wieder auf das, was ihn zu einer der wichtigsten Stimmen der alternativen deutschsprachigen Rapmusik der letzten zehn Jahre gemacht hat: Nostalgische, autobiografische Zeitreisen Hand in Hand mit politisch konkreten, bissigen, teils auch satirischen Gegenwartsbetrachtungen. Aber was sich liest wie das Rezept eines politischen Liedermachers, bleibt bei Juse Ju musikalisch subbass-tief im Hip-Hop verankert. Nicht nur, was die Beats angeht, sondern auch die Punchline-Dichte.

Einlass: 19:00 Uhr
Beginn: 20:00 Uhr

F.I.M. Festival ´26

Das Forum Improvisierter Musik präsentiert in seinem diesjährigen 4-tägigen internationalen Festival Musiker*innen der nationalen und internationalen Improvisationsszene. Im Festivalprogramm werden verschiedene Ausprägungen improvisierter und experimenteller Musik vorgestellt. Workshops, Film, Interaktion mit Tanz erweitern die Breite des Festivalprogramms. Das Instrument des diesjährigen Festivals ist die „Trompete“, vorgestellt in verschiedenen Solo Improvisationen. Es interagieren international etablierte Größen mit jungen Protagonisten des Genres, elektronisches trifft akustisches, von Noise bis Neuer Improvisationsmusik, präsentiert auf etablierten Konzertbühnen oder auch in Kirchenräumen.

Das gesamte Programm des F.I.M Festival ’26 ist hier zu finden.

Das Programm in der Brotfabrik Hausen an Tag 2:

19:00 Uhr: SOG

Lina Allemano/CAN – tr
Uwe Oberg/D – p
Matthias Bauer/D – b
Rudi Fischerlehner/AUT – dr

Die Formation SOG, mit der diesjährigen Preisträgerin des Deutschen Jazzpreises Lina Allemano, präsentiert fein ausbalancierte Improvisationsmusik auf hohem Niveau.

20:30 Uhr: Ismaily – Sharp – Corsano

Shahzad Ismaily/US – b
Chris Corsano/US – dr
Elliott Sharp/US – git

Dies kann spannend werden, 3 amerikanische Avantgardisten treffen aufeinander.

21:45 Uhr: Brötzmann – Drake

Caspar Brötzmann/D – git Hamid Drake/US – dr

Ein ungewöhnliches Duo, aber nicht das erste Mal im Austausch, lässt höchste Improvisationskunst erwarten.

Das Forum Improvisierter Musik präsentiert in seinem diesjährigen 4-tägigen internationalen Festival Musiker*innen der nationalen und internationalen Improvisationsszene. Im Festivalprogramm werden verschiedene Ausprägungen improvisierter und experimenteller Musik vorgestellt. Workshops, Film, Interaktion mit Tanz erweitern die Breite des Festivalprogramms. Das Instrument des diesjährigen Festivals ist die „Trompete“, vorgestellt in verschiedenen Solo Improvisationen. Es interagieren international etablierte Größen mit jungen Protagonisten des Genres, elektronisches trifft akustisches, von Noise bis Neuer Improvisationsmusik, präsentiert auf etablierten Konzertbühnen oder auch in Kirchenräumen. Wir freuen uns mit Unterstützung unserer Förderer und Partner dieses experimentelle Musikformat einem breiten Publikum in Frankfurt und Rhein-Main präsentieren zu können.

Das gesamte Programm des F.I.M Festival ’26 ist hier zu finden.

Das Programm in der Brotfabrik Hausen an Tag 3:

19:00 Uhr: Nebbia – Sharp – Nilssen-Love

Camila Nebbia/ARG – sax
Elliott Sharp/US – git
Paal Nilssen-Love/NO – dr

Eine interessante Konstellation, die junge aufstrebende argentinische Saxophonistin Camelia Nebbia trifft auf international etablierte Größen des Genres.

20:30 Uhr: Gropper – Drake – Vicente – Downes – Ismaily

Philipp Gropper/D- sax
Hamid Drake/US – dr
Luis Vicente/PT – tr
Kit Downes/GB – p
Shahzad Ismaily/US – b

Eine wilde Mischung exzellenter Meister auf ihrem Instrument. Nie in dieser Konstellation gespielt, ein improvisatorisches Feuerwerk wird gezündet.

22:00 Uhr: Railton – Bang – Aarset

Lucy Railton/GB – cell, electr
Jan Bang/NO – live samp, program
Eivind Aarset/NO – git, electr

Zum Ende des Abends wird es elektronisch. Die britische Cellistin Lucy Railton, klassisch geprägt und dann sukzessive auch in der Improvisations- und elektronischen Musik unterwegs, trifft auf das eingespielte nordische Elektronik-Tüftler Duo Jan Bang und Eivind Aarset.

23:30 Uhr: Electronic – set

Eintritt nur zum Electronic-Set für 10€ an der Abendkasse!
Einlass ab 23:00 Uhr

Anushka Chkheidze/GE – electr

Den Abschluss des Abends macht die georgische Musikerin Anushka Chkheizde. Als eine der größten musikalischen Talente ihres Landes, kombiniert Sie verschiedene elektronische Texturen, Minimalsequenzen, komplexe Rhythmen zu einem musikalischen Ganzen.

Das Forum Improvisierter Musik präsentiert in seinem diesjährigen 4-tägigen internationalen Festival Musiker*innen der nationalen und internationalen Improvisationsszene. Im Festivalprogramm werden verschiedene Ausprägungen improvisierter und experimenteller Musik vorgestellt. Workshops, Film, Interaktion mit Tanz erweitern die Breite des Festivalprogramms. Das Instrument des diesjährigen Festivals ist die „Trompete“, vorgestellt in verschiedenen Solo Improvisationen. Es interagieren international etablierte Größen mit jungen Protagonisten des Genres, elektronisches trifft akustisches, von Noise bis Neuer Improvisationsmusik, präsentiert auf etablierten Konzertbühnen oder auch in Kirchenräumen. Wir freuen uns mit Unterstützung unserer Förderer und Partner dieses experimentelle Musikformat einem breiten Publikum in Frankfurt und Rhein-Main präsentieren zu können.

Das gesamte Programm des F.I.M Festival ’26 ist hier zu finden.

Das Programm in der Brotfabrik Hausen an Tag 4:

19:00 Uhr: Schlippenbach – Mahall – Nilssen-Love – Sharp

Alexander von Schlippenbach/D – p
Rudi Mahall/D – cl
Paal Nilssen-Love/NO – dr
Elliott Sharp/US – git

Vier Meister ihres Faches, großen Namen und Qualitäten, da kann eigentlich nichts schief gehen.

20:30 Uhr: Warelis – Nebbia – Gropper – Ismaily – Drake – Aarset – Bang

Marta Warelis/PL – p
Camila Nebbia/ARG – sax
Philipp Gropper/D – sax
Shahzad Ismaily/US – b
Hamid Drake/US – dr
Eivind Aarset/NO – git, electr
Jan Bang/NO – live samp, program

Zum Abschluss des Festivals treffen in einer großen Formation nochmal verschiedene musikalische Prägungen aufeinander, ein abschließendes musikalisches „Potpourri“.

Club-Tour Herbst 2026 — zum 10. Todestag von Leonard Cohen

Im November 2026 jährt sich Leonard Cohens Tod zum zehnten Mal. Für Tex ist das kein Anlass für eine Gedenkveranstaltung, sondern für Konzerte: Songs spielen, die heute noch etwas auslösen — direkt, ohne Pathos, in kleinen Räumen.

„Tex singt Leonard Cohen“ ist eine Solo-Tour in kleinen Clubs (ca. 200 Plätze): nah, direkt, ohne Distanz. Nur Stimme und Gitarre. Keine große Produktion, keine Tribute-Show mit Kostüm und Kulisse — sondern eine persönliche Annäherung an Songs, die seit Jahrzehnten Menschen durch Krisen und Übergänge tragen.

Tex ist vielen als Gründer und Gastgeber von TV Noir bekannt. Seit 2008 hat er dort Künstler:innen einen Raum geschaffen, in dem Musik ohne Lärm und Pose funktionieren kann: reduziert, aufmerksam, echt. Genau diese Haltung prägt auch seine Bühnenarbeit als Musiker. Tex tourt seit den späten 90ern im deutschsprachigen Raum, hat eigene Alben veröffentlicht und in unzähligen Konzerten einen Ton entwickelt, der klar ist, präsent und unverstellt.
Was an diesem Projekt besonders ist: Tex begegnet Cohen nicht als Denkmal, sondern als Songwriter. Und er tut das aus der Perspektive eines Musikers, der selbst seit Jahrzehnten schreibt, spielt, zweifelt, neu ansetzt. In diesen Abenden geht es um Liebe und Verlust, Hingabe und Scheitern, Trost und Widerspruch — um all das, was Cohens Werk so zeitlos macht. Und um den berühmten Riss, durch den Licht fällt.

Auch biografisch bringt Tex eine ungewöhnliche Perspektive mit: Diplom-Mathematiker, Unternehmer, Moderator, Musiker. Keine Gegensätze, sondern Facetten einer Neugier, die Struktur und Gefühl zusammen denkt. Genau daraus entsteht seine Interpretation: präzise im Ausdruck, offen im Moment.

Wer Cohen kennt, wird Vertrautes neu hören. Wer Cohen noch nicht kennt, bekommt einen unmittelbaren Zugang — ohne Ehrfurchtsbarriere, aber mit großem Respekt vor dem Material

ALLES IST BESCHISSEN AUSSER DIESE TOUR 

Ein einzelner Mann erschafft eine ganze Klangwelt: Reinhardt Buhr begeistert weltweit Millionen von Fans mit seiner außergewöhnlichen Kombination aus verschiedensten Instrumenten und Live-Loopings.

Der 1988 geborene Südafrikaner begann seine musikalische Reise vergleichsweise spät, mit 19 Jahren. Ein Freund brachte ihn zum Gitarre spielen, kurz darauf entdeckte er die Flamencogitarre für sich. Schnell stand er auf kleinen Bühnen in Johannesburg, gründete eine Band und tourte wenig später durch das ganze Land. Gleichzeitig lernte er immer mehr, heute ist der Autodidakt ein wahrer Multi-Instrumentalist: Neben der Gitarre spielt er auch E-Cello, Didgeridoo, Klavier, Schlagzeug, Schofar und E-Saxofon.

Doch der Weg verlief nicht geradlinig. Während seine Karriere Fahrt aufnahm, geriet Buhr in einen Teufelskreis aus Depressionen und Drogenkonsum. Er entfernte sich zunehmend von seinem Umfeld, bis ein persönlicher Tiefpunkt schließlich die Wende brachte. Nach einem tiefgreifenden Erlebnis fand Buhr zur Religion und begann ein neues Kapitel. Dieses spirituelle Erwachen prägt seine Musik bis heute.

Seit 2010 hat Buhr mehr als 13 Alben veröffentlicht, in denen er sowohl seine schwierigen Erfahrungen als auch sein Vertrauen in Gott behandelt. Live entfaltet sich seine Musik erst in ihrer ganzen Intensität. Buhr erschafft seine Musik in Echtzeit auf der Bühne. Das Publikum kann miterleben, wie aus einzelnen Klängen und Instrumenten nach und nach ganze Kompositionen entstehen. Seine persönliche Geschichte und die heilende Kraft der Musik sind dabei in jeder Note spürbar.

Für Reinhardt Buhr geht es um weit mehr als klassische Konzerte – es sind Abende voller Verwandlung, Anbetung und Verbundenheit, die lange nachhallen. Im Herbst dieses Jahres wird er dieses besondere Erlebnis nach Deutschland bringen. Wer Gemeinschaft sucht, wird sie hier finden.

Präsentiert wird die Tour von event. und MusikBlog.de.

Foto: Andrew Macdonald

Am 21.10.2026 bieten wir euch eine ganz besondere Noche de Salsa in der Brotfabrik: die perfekte Mischung aus Clubnacht & Livemusik.

Salsa zum Tanzen und inspirierende Songs aus Lateinamerika – das ist die Botschaft von Café Caribe. Das Sextett um Uli Kratz (Salsa Verde) und Sänger Ferran Ferrando konnte mit Conny Montiel am Piano und Kick La Luna-Bassistin Uli Pfeifer zwei vertraute Kolleginnen aus der Frankfurter Latin-Szene gewinnen. Auch der peruanische Jazzflötist Néstor Benítez (Peru Salsa Allstar) und Schlagzeuger Roland Henkel waren sofort begeistert. Das Programm der Band orientiert sich an klassischer Salsa und präsentiert eigene Songs in faszinierendem Latin-Groove.
Ihre gemeinsame Liebe für afro-kubanische Rhythmen und mehrstimmigen Gesang brachte sie zusammen, nun begeistern sie mit ihrer Musik jedes Publikum!

DJ Fred & Cafe Caribé wechseln sich ab und bringen euch auf die Tanzfläche.

Die Kombination aus entspannter Clubatmosphäre und heißen Rhythmen zieht Salsa-Fans jeder Generation seit über 30 Jahren mittwochs zur Salsadisco in das Kulturzentrum in Hausen.

Sichert euch schnell Tickets!

BEWEGGRÜNDE TOUR 2026

Mit „Wenn jetzt Sommer wär“ landete er 2006 einen echten Sommerhit. Seitdem kennt wohl jeder hierzulande Pohlmann. Der Wahlhamburger ist heute fester Bestandteil der deutschsprachigen Musikszene ohne sich dabei auf die ständige Jagd nach dem nächsten Hit zu machen. Stattdessen Beständigkeit, tiefsinnige Texte, charmante Kompositionen auf der Gitarre. Und obwohl er mit seinen Songs das Publikum zum Nachdenken anregen will, ist der Singer-Songwriter trotz aller Tiefgründigkeit immer noch der Frontmann, der mit Witz in seinen Live-Shows auf der Bühne ein wirklich gutes Lebensgefühl vermittelt, denn „das Leben ist zu seltsam, als dass es keinen Spaß machen dürfte“.

Nach der Veröffentlichung seines mittlerweile sechsten Studioalbums „falschgoldrichtig“ im September 2020, erschien im Januar 2023 die EP „COLUMBUS“ auf allen gängigen Streaming-Plattformen. Die Musikvideos zur gleichnamigen ersten Single und zweiten Single-Auskopplung „Lebensgefühl“ wurden in Südafrika gedreht.

Seine authentischen und ehrlichen Songs präsentierte Pohlmann im Rahmen der 20 Städte umfassenden „falschgoldrichtig“-Tour im Januar und Februar 2023. Nach etlichen Festival- und Einzel-Shows im Sommer, folgte im Dezember und Januar dann die „JAHR AUS JAHR EIN TOUR 2023/24“ , begleitet bei dieser beliebten Tradition stets von seinen langjährigen Weggefährten Hagen Kuhr am Cello und Reiner „Kallas“ Hubert am Schlagzeug.

Nach zwei Jahren Tourneepause kehrt Pohlmann mit dem lang erwarteten siebten Studioalbum „Beweggründe“ zurück und geht 2026 mit 16 Konzerten auf gleichnamige Deutschlandtour.

Präsentiert von Kulturnews

Der ursprünglich für den 25.01.2026 geplante Termin musste aus Gesundheitsgründen leider verschoben werden.
Bereits gekaufte Tickets behalten ihre Gültigkeit oder können an der jeweiligen Vorverkaufsstelle zurückgegeben werden.

ROBINSON CRUSOE – Abschiedstournee 2026

Nach zehn erfolgreichen Jahren verabschiedet sich der Musiker und Songwriter Jules Ahoi von Bühne und Publikum. Mit der kommenden „ROBINSON CRUSOE – Abschiedstournee“ geht er 2026 ein letztes Mal auf Tour, um gemeinsam mit seinen Fans und Freunden den Abschied von einem intensiven Jahrzehnt voller Musik zu feiern.

Die in Ho-Chi-Minh-City ansässige Band Saigon Soul Revival (SSR) bringt seit 2016 Alternative-Musik aus Saigon aus der Zeit vor 1975 zurück auf die Bühne. Mit mitreißenden Live-Auftritten würdigt die Band die ursprünglichen Komponisten und Sänger der goldenen Ära des „Nhạc Vàng“ und präsentiert gleichzeitig neue Kompositionen und Interpretationen alter vietnamesischer Lieder.

Mit tighten Grooves, psychedelischen Texturen und einem kraftvollen, unverwechselbaren Sound hat SSR unzählige Shows in ganz Vietnam gespielt, darunter bei Großveranstaltungen wie dem Quest Festival, Vibe Nation und dem Mui Ne Music & Art Festival. Im Jahr 2017 nahm die Band an der landesweit bekannten TV-Show „Ban Nhạc Việt“ (international bekannt als „The Band“) teil und trat live während der Release-Touren für die „Saigon Supersound Compilation“-Reihe in Vietnam auf. Seit 2023 hat SSR international expandiert und trat in Großbritannien und Australien beim WOMAD, in Deutschland beim Sống ở Berlin Festival und beim Festival der Kulturen, in Frankreich bei den Trans Musicales, in Portugal beim Festival Músicas do Mundo sowie in China und anderen Ländern auf.

Besetzung:
Nguyễn Anh Minh (Gesang)
Indy Jeremy Vinh Laville (Gitarre & Đàn Nguyệt)
Nguyễn Hương Bảo Hiếu (Schlagzeug)
Gabriel Kaouros (Bass/Percussion)
Đăng Nguyễn Khoa (Keyboard)

10 Jahre Nur zu Besuch

Mit ihren 28 Jahren ist Lina Maly eine feste musikalische Größe im deutschen Sprachraum. Allein in den letzten fünf Jahren veröffentlichte sie über 40 Werke unter eigenem Namen und war als Autorin an diversen anderen Projekten beteiligt. Neben den drei erfolgreichen Alben „Nur zu Besuch“ (2016), „Könnten Augen alles sehen“ (2019) und „Nie zur selben Zeit“ (2021) schärft Lina ihr Profil mit mehreren Projekt-EPs (u.a. mit Enno Bunger, TVNoir, Dead Rabbit), die sowohl ihre künstlerische Vielfältigkeit offenbaren als auch ihre persönliche Offenheit und Spielfreude widerspiegeln. Bestätigt durch die Auszeichnung mit dem GEMA-Musikautorinnen-Preis.

Dieses Jahr feiert Lina Malys erfolgreiches Debütalbum mit Songs wie „Schön genug“ und „Als du gingst“ nun zehnjähriges Jubiläum. Über 70 Millionen Streams und der Erfolg des Contec-Techno-Edits von „Als du gingst“ – über 40 Millionen Streams und #82 der JahresSingle-Charts 2025 – sind Gründe genug, den Geburtstag 2026 mit mehreren schönen Projekten ausgiebig zu feiern. Als Auftakt gab es bereits eine limitierte First-on-Vinyl-Edition des kompletten Albums. Den Abschluss bildet die sechstägige „10 Jahre ‚Nur zu Besuch‘ Tour“ im November. Dazwischen folgen noch weitere kleinere Überraschungen, die bald angekündigt werden.

Wie der Titel schon zeigt, werden auf der Tour nicht nur die zwölf Songs des Albums präsentiert. Darüber hinaus gewährt Lina Maly in persönlicher Atmosphäre auch Einblicke in den künstlerischen Prozess und ihre Gefühlswelt rund um das Werk. Der Talk findet im Austausch mit Daniela Ammermann (DASDING/WDR 1Live) als Moderatorin und dem Publikum statt.

Präsentiert wird die Tour von kulturnews und DIFFUS.

Sie ist eine der außergewöhnlichsten Songschreiberinnen unserer Zeit und spätestens seit ihrem im April 2024 erschienen Doppelalbum „HAUS“ nicht mehr aus der Kulturlandschaft wegzudenken: Katharina Kollmann aka Nichtseattle. Kaum jemand schafft es, das Politische und Private so berührend in den eigenen Liedern zu verweben wie sie.
Sie ist in ihrem Leben eine Liedermacherin, Chorleiterin oder Gründerin eines kollektiven Wohnprojekts. Ihre Musik ist Folk- wie Indierock. Sie verarbeitet das Werk ostdeutscher Liedermacher wie Gerhard Schöne genauso so selbstverständlich wie den US- amerikanischen Sound der Pixies.
Es gibt keine Ausflüchte in der Musik von Nichtseattle, keinen Smalltalk, keine Fake-Erotik und Pseudo-Gefühligkeit, kein Lametta und kein Firlefanz. „(…) Aber wenn man mit der rohen Unverputztheit auf Kollmanns Seelenbaustelle umgehen kann, dann ist es das schönste, wärmste und freizügigste Zuhause auf weiter Flur“, schreib Andreas Borcholte begeistert im Spiegel über ihre Songs.

Besetzung:
Katharina Kollmann – Vocals, Gitarre
Sönke Torpus – Gitarre, Background Vocals
Juliane Graf – Bass, Background Vocals
Sebastian Albin – Schlagzeug
Gregor Lener – Flügelhorn

Nichtseattle auf Bandcamp: https://nichtseattle.bandcamp.com/album/haus

Ghostly Kisses ist das himmlische Indie-Dream-Pop-Projekt von Margaux Sauvé und Louis-Étienne Santais, einem Duo aus Quebec City, das dafür bekannt ist, intime, stimmungsvolle und szenische Songs zu kreieren, die die Grenze zwischen dem Persönlichen und dem Universellen verwischen. Nach „Darkroom“ (2024) – einem Album, das aus anonymen Briefen von Fans aus aller Welt entstanden ist – wendet sich Ghostly Kisses nach innen und schlägt ein nachdenklicheres und introspektiveres Kapitel ein.

Verwurzelt im Dream-Pop, ist ihr Sound geprägt von filmischem Minimalismus und intimem, poetischem Songwriting. Er lebt in den stillen Räumen – dort, wo Verletzlichkeit auf Atmosphäre trifft und Emotionen noch lange nach der letzten Note nachklingen.

Entstanden während jahrelanger Reisen und Auftritten auf verschiedenen Kontinenten, erforscht ihr jüngstes Werk die vielen Formen der Distanz – physisch, emotional und existentiell. Es reflektiert darüber, was uns trennt: von den Menschen, die wir lieben, von dem, wer wir einmal waren, und von den Versionen unserer selbst, die wir uns vorgestellt haben. Ihre Musik navigiert durch Entfremdung und Sehnsucht, den zerbrechlichen Lauf der Zeit und die Spannung zwischen unserem Wunsch nach Beständigkeit und der Realität der Vergänglichkeit.

Während sich ihre Welt durch Bewegung und Begegnungen erweitert, entsteht eine kontrastreiche Intimität – der Wunsch, ein Zuhause zu schaffen, Leben zu gestalten, und die damit einhergehende Verletzlichkeit. Ihr Werk umfasst das Leben in all seinen Widersprüchen: gewöhnlich und außergewöhnlich, flüchtig und doch tiefgründig.

Mit zarten Melodien, zurückhaltender Elektronik, orchestralen Klangtexturen und zutiefst menschlicher Erzählkunst entführt Ghostly Kisses die Zuhörer in einen Raum, in dem einfache Gesten eine immense Bedeutung haben – und in dem die Verbindung selbst über große Entfernungen hinweg Bestand hat.

Foto: Fred Gervais

Mit millionenfach gestreamten Songs hat sich DARI in den letzten Jahren eine ständig wachsende Fanbase aufgebaut, die den charismatischen Sänger und Songwriter für seinen packenden Mix aus eingängigen Pop-Melodien und tiefgründigen Texten feiert. Nach Shows im Vorprogramm von Max Giesinger, Kerstin Ott, Vanessa Mai und vielen anderen, kündigt DARI nun seine allererste Headliner-Tournee für den Herbst 2026 an!

Schon als kleiner Junge hatte DARI nur einen einzigen Wunsch: Auf der Bühne zu stehen und die Menschen mit seinen Songs zu bewegen. Ein Traum, den der Kölner sich in den vergangenen Jahren Schritt für Schritt erfüllt hat. Während der Teilnahme an der sechsten Staffel von „The Voice Of Germany“ hat DARI ein Millionenpublikum mit seinen sofort wiedererkennbaren Vocals begeistert und war später als Teil des Teams um Producer Fabian Zimmermann (u.a. Betontod) am Songwriting von Adel Tawils WM-Hit „Flutlicht“ (2018) beteiligt. Und auch mit seinen eigenen Songs zählt der Musiker mittlerweile zu den aufregendsten Künstlerinnen im deutschen Pop. DARI liebt die große Bühne, wie er als gefeierter Support-Act von Größen wie Glasperlenspiel oder PUR vor zahllosen ausverkauften Arenen unter Beweis gestellt hat. Zudem ist der mit dem Deutschen Rock & Pop Preis ausgezeichnete Sänger bei Radiosendern sowie im TV ein gerne gesehener Gast, der mit seiner kraftvollen Performance bereits die Zuschauerinnen beim ZDF-Fernsehgarten von den Sitzen riss.

DARI verbindet eine positive Energie mit tief unter die Haut gehenden Emotionen, wie er mit millionenfach gestreamten Tracks wie „Because Of You“, „The Universe“ oder „Magic“ zeigt. Songs zum Tanzen und zum Zuhören, auf denen er eine unbeschwerte Catchyness mit mutmachenden Lyrics und einer aufbauenden Message kombiniert. Besonders wichtig ist ihm die Nähe zu seinen Fans, mit denen er bei seinen Konzerten auch zwischen den Liedern immer wieder persönliche Geschichten aus seinem Leben teilt.

Im Herbst nächsten Jahres wird DARI auf großer Headliner-Tournee durch Deutschland zu erleben sein. Neben liebgewonnenen Live-Favoriten präsentiert der Sänger auch erstmals Songs seines für Anfang 2026 geplanten Albums „Better Love“, so wie seine kürzlich erschienene Single „Pocket Full Of Hope“: Ein mutmachender Ohrwurm, der in Zusammenarbeit mit Songwriter Kayef, ESC-Teilnehmer Isaak sowie Producer Phillip Evers (Isaak, Gregor Hägele, Sophia) entstand und auf dem DARI zu kraftvollen Beats und einer ansteckenden Hook von seinem Weg erzählt. Davon, keine Angst vor neuen Herausforderungen zu haben, sondern sich durch nichts von seinen Träumen abbringen zu lassen. DARI lebt seinen Traum und möchte auch alle Fans dazu ermutigen, ihre eigenen Wünsche zu verwirklichen. Kürzlich ist der Singer/Songwriter auf große Sommer-Tour mit Ben Zucker gestartet – die perfekte Aufwärmübung für seine im Herbst 2026 folgende „Better Love“-Headliner-Tournee!

Präsentiert wird die Tour von event.

Anne sagt „Tschüss“- special concert with friends

Nach fast 35 Jahren wird die Perkussionistin Anne Breick, aus gesundheitlichen Gründen, mit diesem special concert ihren Abschied aus der Band bekannt geben. Diesen möchte KICK LA LUNA gemeinsam mit dem Publikum gebührend feiern! Eingeladen dazu sind befreundete musikalische Wegbegleiter wie zum Beispiel Uli Kratz an den Congas.

Ob Soul oder Salsa, Funk, Brazil-Styles oder Balladen – die Musikerinnen von KICK LA LUNA spielen seit 34 Jahren erfolgreich in der Musikszene. Markenzeichen der Band sind ihr mehrstimmiger Gesang und mitreißende Latin-Rhythmen. Neben der kraftvollen Soul-Stimme von Elke Voltz, dem Funk- Bass von Uli Pfeifer und groovy Perkussion von Anne Breick sind seit über 10 Jahren die brasilianische Drummerin Angela Frontera und die Salsa- Keyboarderin Christiane Sattler mit dabei.

Die Band aus Frankfurt am Main bietet mitreißende Konzerte mit Entertainment-Qualitäten. Antriebsfeder ist ihre Vision einer kulturverbindenden Worldmusic. Ihre Songs vereinen ein großes Spektrum musikalischer Einflüsse. Sie stehen für Toleranz und Offenheit, machen Mut, berühren, gehen unter die Haut und bringen politische wie frauenpolitische Statements auf den Punkt.

KICK LA LUNA ist in Deutschlands Worldmusic-Szene eine Institution. Mit ihrer 10. CD „Nicht ohne uns“ will die Band auf die Situation von Frauen aufmerksam machen und für Gleichberechtigung und gegen Rassismus anspielen – verpackt mit positiver Energie – das steckt an!

Elke Voltz: vocals, guitar
Ulrike Pfeifer: bass, vocals
Anne Breick: percussion, vocals
Chris8ane Sattler: keyboards
Angela Frontera: drums

So Schön Verloren Tour 2026

Was fühl ich? Wie geht`s mir? Bin ich happy oder fehlt mir etwas zum Glücklichsein?
Fragen wie diese haben JAS’ Musik von Anfang an geprägt. Doch aus dem inneren Kopfchaos ist inzwischen ein größerer Blick geworden. Einer, der nicht nur das eigene Herz abklopft, sondern auch die Welt da draußen. Mit Songs wie „Die Jugend hat Angst“ öffnet JAS sein bisher persönlichstes Projekt in eine neue Richtung. Die Unsicherheit bleibt. Aber sie ist nicht mehr nur privat. Sie ist politisch, gesellschaftlich, kollektiv. Krieg, Klimakrise, Machtstrukturen, eine Diskussionskultur, die immer öfter kippt. JAS beschreibt das Lebensgefühl einer Generation, die zwischen Dauerkrisen erwachsen wird – und trotzdem nicht aufhört, an Veränderung zu glauben.

JAS beschreibt sich selbst mit einem Augenzwinkern als »noch einer, der Musik macht«. Wer ihn erlebt, merkt schnell: Hinter dieser Selbstironie steckt weit mehr. Mit seiner allerersten Single landete der junge Wahlberliner direkt in den deutschen Charts, sammelte in kurzer Zeit zehntausende Follower auf TikTok und legte mit nur wenigen Songs den Grundstein für eine vielversprechende Solo-Tour.

In seinen Indie-Pop-Balladen zeigt sich JAS als Suchender: Seine Songs kreisen um Verlorenheit, Nähe und Abschied, um große Fragen wie »Was ist schon für immer?«. Tagebuchhafte Texte treffen auf eindringliche Melodien – melancholisch, ehrlich und ohne Kitsch. Begleitet von Klavier, Gitarre und atmosphärischen Synth-Flächen erzählt er von ersten Trennungen, nächtlichen Gesprächen und dem Versuch, sich selbst in einer komplizierten Welt zu verorten.

Präsentiert von DIFFUS & Rausgegangen

Foto: Fioni Versace

Einlass: 19:00 Uhr
Beginn: 20:00 Uhr

City of the Sun mag zwar in Brooklyn, New York, beheimatet sein, doch ihre genreübergreifende Musik fließt wie eine Flutwelle über die Grenzen hinweg. Sie verweben ein Mosaik aus einer weltweiten Vielfalt an Klängen und Kulturen. Anklänge von Indie-Rock, Latin-Folk, Blues und Weltmusik tragen das Gewicht ihrer Geschichten und Erinnerungen und offenbaren ganze Landschaften.

Gegründet vom Gitarristen John Pita, zu dem sich der Schlagzeuger Zach Para gesellte, wurden später der Bassist Matt Fasano und der Gitarrist Marco Bolfelli in die Band mit aufgenommen. City of the Sun schafft Musik, die sich zugleich intim und cineastisch anfühlt – wie ein Film, in den man eintauchen kann. Seit ihrem Debüt im Jahr 2016 mit „To The Sun and All the Cities in Between“ über ihr selbstbetiteltes Album von 2020 bis hin zu „Segunda Alma“ aus dem Jahr 2022 hat sich die Band weltweit eine treue Fangemeinde aufgebaut. Mit zunehmender Bekanntheit ging City of the Sun gemeinsam mit Peter Bjorn und John und Thievery Corporation auf Tour, und ihre Songs fanden bei den Fans auf einer zutiefst universellen Ebene Anklang. Ihre üppigen und eindringlichen Kompositionen lassen Anklänge von Wüstenwinden, städtischen Nächten, mediterranen Sommern und dem stillen Schimmer von Verlust und Verwandlung erklingen. Kein Wunder, dass das Publikum von London über Paris bis Athen und darüber hinaus sie mit ausverkauften Sälen empfangen hat – die Menge erhob sich in Ehrfurcht und lauschte, als wäre jede Note ein Liedtext.

Ihr neues Album „Under the Moon“ markiert eine Rückkehr und fühlt sich an, als würden sie aus dem Schatten treten und in neues Sonnenlicht treten. Das Album, das gemeinsam mit dem legendären Phil Ek (Fleet Foxes, Father John Misty, Built to Spill) produziert wurde, führt durch unterschiedliche Stimmungen und Landschaften: die rollenden Wellen von „Angeles“, die Stille eines Spaghetti-Westerns in „Bajo la Luna“, der Wüstenrock-Puls von „Ciudad del Sol“ und der mediterrane Schwung von „Hotel Alma“.

Songs wie „Un Disparo al Corazon“ und „Twenty Twenty One“ tragen die Last von Trauer und Trennung in sich, während die Band über all das nachsinnt, was während der Pandemie verloren ging. An anderer Stelle schimmern „Ella“ und „Dream“ mit grooviger Disco-Funk-Energie – ein neuer Sound für die Band, der uns daran erinnert, dass die Freude sich ihren Weg bahnt.

In „London“ wird Erinnerung zur Musik – der rohe Schmerz des gebrochenen Herzens, eingebettet in Surf-Rock-Strömungen und New-Wave-Farbtöne, ein Echo der Stadt, in der die Band erstmals die Kraft ihrer internationalen Reichweite entdeckte. In „Cinderella Man“ hingegen nutzen sie die Geschichte des Boxers James J. Braddock als Allegorie für den Kampf des Musikers.

Die Zusammenarbeit „Vuela“ führt das Album noch weiter in neues Terrain. Entstanden in Zusammenarbeit mit dem spanischen Singer-Songwriter Gizmo Varillas, knüpft der Song an das Erbe der argentinischen Folk-Legende Atahualpa Yupanqui an und verwebt lateinamerikanische und afrikanische Rhythmen mit einem zeitlosen Retro-Flair. Es ist ein Song, der sich sowohl in der Tradition verwurzelt anfühlt als auch von Vorwärtsbewegung geprägt ist – ein Symbol für die Fähigkeit der Band, die Vergangenheit zu würdigen und gleichzeitig etwas ganz Eigenes zu schaffen. „Das Besondere an diesem Song ist, dass wir ihn gar nicht für Gesang geschrieben haben. Es ist einfach so passiert – Gizmo hat eine wunderschöne Melodie komponiert“, erklärt Pita.

Und schließlich gibt es noch „Metamorphosis“. Das Album endet wie das letzte Bild eines alten Westerns – Aufbruch, Horizont, das Gefühl, eine Welt hinter sich zu lassen, um in eine andere einzutreten.

Was City of the Sun schafft, ist mehr als nur Instrumentalmusik. Es ist eine ganz eigene Sprache – eine, die Zuhörer auf allen Kontinenten instinktiv verstehen. Ihre Geschichten kommen im rhythmischen Feuer von Pitas ecuadorianischen Wurzeln zum Ausdruck, im Puls von Paras Percussion und in der globalen Sensibilität, die Marco und Matt in den sich weiterentwickelnden Sound der Band einbringen. „Under the Moon“ ist sowohl ein Spiegelbild ihrer gemeinsamen Reise als auch ein Vorbote dessen, was noch kommen wird.

Die Erdmöbel-Weihnachtstour

Weihnachten kann kommen: Erdmöbel wieder auf Tour.

Alle Jahre wieder veröffentlichen Erdmöbel traditionell kurz vor Weihnachten ein neues Erdmöbel-Jahresendlied, welches eine ganz eigene Sicht auf die Weihnachtszeit und das vergangene Jahr beinhaltet.

Mit „Weihnachten ist mir doch egal“, ihrer inzwischen legendären Version von Whams „Last Christmas“, begann es im Jahr 2006. Dann kam jedes Jahr mindestens ein Lied (mit Gästen wie Maren Eggert, Ulrich Matthes u.a.) dazu. Seither hat sich ein richtiger Kanon angesammelt und für nicht wenige sind Erdmöbel zu Weihnachten inzwischen unverzichtbarer als ein Tannenbaum. Alljährlich geht die Band mit ihrer ganz eigenen Weihnachts-Show sehr erfolgreich auf Tour.

Auch dieses Jahr gibt es wieder diese großen, ganz speziellen Erdmöbel-Weihnachtsparties. Und Anfang Dezember kommt natürlich auch dieses Jahr ein neuer Song! Lassen wir uns überraschen.